Contes du hasard et autres fantaisies

Le film de Ryusuke Hamaguchi est aussi étrange que fascinant. Et difficilement classable, ce qui en fait évidemment l'intérêt puisqu'il déstabilise le spectateur, qui ne cesse de s'interroger.

S'il s'agissait de littérature on parlerait sans doute de nouvelles puisque le film est constitué de trois histoires, avec des personnages chaque fois différents. Il existe malgré tout un point commun entre les trois histoires puisqu'il s'agit à chaque fois de relations amoureuses, de désirs, d'espoirs ou de déceptions, parfois le tout un peu mêlé car dans le domaine des émotions, rien n'est parfaitement clair, rien n'est facilement dicible. Alors oui, le dialogue tient une part importante dans le film, et demande qu'on en suive les méandres avec attention. Ce qui pourrait devenir fastidieux si le réalisateur ne jouait habilement des possibilités de mise en scène pour renouveler la façon de filmer les personnages sans exclure pour autant le recours  au champ-contrechamp. Ryusuke Hamaguchi joue avec aisance des différents registres de langage, délicats, précis et presque maniérés ou au contraire terriblement crus. 

Reste que les comportements des personnages, leur propension à se livrer, à s'efforcer d'exprimer au plus juste le flux de leur émotions, m'ont surprise. J'étais restée sur l'idée que la courtoisie, l'attention portée à autrui interdisait aux Japonais de faire part de leurs sentiments intimes. Préjugé à n'en pas douter, à moins qu'il ne s'agisse d'une question de générations.

Ma famille afghane

 Les poules sont dans des cages, les tourterelles sont dans les cages et d'une certaine façon les femmes afghanes elles aussi sont dans des cages. Cela on le savait déjà et le film de Michaela Pavlatova enfonce le clou. Ce qui, il est vrai, n'est pas tout à fait inutile, mais son film ressemble un peu trop à une leçon, malgré les nuances que la réalisatrice s'est efforcée d'apporter.

Herra, une jeune femme tchèque, qui par amour a épousé Nazir, un étudiant rencontré sur les bancs de la fac et l'a suivi dans son pays, se retrouve confrontée aux us et coutumes de la société afghane, alors que son mari, pourtant généreux, ouvert et tolérant, se comporte de plus en plus comme un afghan traditionnel. Rien de bien neuf. Rien que l'on ne sache déjà ou plutôt rien que ne sachent les spectateurs qui vont voir ce film projeté dans des salles d'art et d'essai. Certes, le choix du dessin animé - que j'ai personnellement peu apprécié - est supposé rendre le film accessible à un plus large public. Mais visiblement les bonnes intentions ne suffisent pas.  

Hit the road

...Jack, And don't come back no more ! Partir, s'en aller, prendre la route et peut-être ne jamais revenir ...

C'est sur ce thème de la séparation emprunté à Ray Charles que le réalisateur iranien Panah Panahi construit son film. Mais la séparation ici n'est pas celle d'un couple, c'est celle d'une famille, et d'un pays ! Quelques allusions suffisent à suggérer que le départ est clandestin, qu'il est potentiellement dangereux mais on n'en sait pas plus sur les raisons - politiques sans doute ou économiques qui ont poussé cette famille à prendre la route (dans une voiture empruntée) pour conduire le frère ainé vers la frontière où il sera pris en charge par un passeur. Lorsque le film commence, ils sont déjà en route. Et on ne connaît pas la destination.

En filmant les personnages au plus près, le plus souvent à l'intérieur de la voiture, le réalisateur met volontairement l'accent sur ce temps de latence mal défini, qui s'étire, se dilate ou au contraire se précipite. On pourrait presque dire un temps mort, avec des éclats de vie : caprices du jeune gamin qui ne cesse de s'agiter, inquiétudes de la mère à peine masquées par ses sourires, lassitude du père bougon, silences du fils ainés. Au fil de la route, les humeurs changent, des chansons sont reprises en coeur. Hit the road est au fond un assez joli portrait de famille, une famille que le départ du fils, pourtant soigneusement préparé bouleverse plus qu'il n'y paraît. 

Road movie par excellence, sans ligne de départ ni d'arrivée, le film  de Pana Panahi déroule les paysages iraniens, désertiques ou au contraire verdoyants, souvent somptueux. Rêves de voyage pour le spectateur. Mais pour les personnages, la beauté des paysages ne compense pas la difficulté de vivre en ce pays.

Christian Astolfi, De notre monde emporté

 Christian Astolfi n'est peut-être pas Zola, mais dans le monde littéraire d'aujourd'hui, il creuse un sillon bien particulier, celui du roman social, trop souvent négligé au profit des états d'âme d'individus autocentrés.

Dans De notre monde emporté, l'écrivain fait revivre les chantiers navals de La Seyne-sur-Mer, mais ce pourrait aussi bien être ceux de Nantes, de Dunkerque ou de La Ciotat qui ont tous fermé dans les années 80. 

Ils sont quatre autour de Narval, le narrateur, tous avec un surnom : Filoche, Mangefer, Barbe, Cochise; tous avec une fonction différente sur le chantier, mais solidaires comme on l'était dans ce monde là. Ouvriers de père en fils pour la plupart, venus d'ici ou d'ailleurs, il partagent la même fierté du travail bien fait. Les chantiers ferment, malgré les grèves; leurs chemins se séparent,  provisoirement,  car bientôt ils se retrouvent pour un même combat, celui de l'amiante. Les procès contre les négligences de l'Etat qui pendant plus de 10 ans ne s'est pas soucié des avertissements sur la dangerosité de l'amiante se mettent en place, lentement; la maladie elle, progresse insidieusement, erratiquement, frappant les uns plus que les autres. C'est cette tragédie que raconte le "roman" de Christian Astolfi. Une tragédie dont on a entendu parler dans la presse bien sûr. Mais aucun article n'a la force d'un récit à la première personne, et il importe peu que les personnages soient fictifs ou pas, parce qu'il s'agit avant tout de témoigner. Et de toucher le lecteur.

The Duke

 Voler un Goya dans un musée. Exiger une rançon pour sa substitution afin de pouvoir supprimer  la redevance TV pour les vieux et les pauvres. Un bon sujet, non ? Et d'excellents interprètes. Le tout à partir d'une histoire vraie. 

Oui, mais voilà : n'est pas Ken Loach qui veut et le film de Roger Micheli m'a juste paru un peu balourd. Alourdi sans doute par les efforts de reconstitution des années 60, avec des intérieurs mal éclairés et des écrans télé presque aussi petits qu'un Iphone ! Il y a bien quelques bonnes répliques, en particulier au moment du procès. Mais je m'étais lassée bien avant.

Gil Adamson, Le fils de la veuve

 

J'ai manqué son premier roman intitulé La Veuve et craignais que celui-ci, Le Fils de la veuve ne soit trop lié au précédent, trop référencé pour être agréable à lire. Pas du tout !  C'est un roman passionnant et qui se suffit à lui même. 

Le décor tout d'abord : somptueux ! Parce qu'il s'agit de la longue chaîne des Rocheuses qui court du Nord du Canada au Sud des Etats-Unis. Or chacun sait qu'entre les deux pays, les frontières sont poreuses, William Moreland, en profite pour piller ici ou là, au Montana ou dans l'Idaho,  une banque, une entreprise quelconque, à coups de dynamite. Mais ce coureur des bois n'est pas un vrai truand; c'est un veuf éploré et un père attentionné qui ne vole que pour subvenir aux besoins de l'orphelin, confié provisoirement à une religieuse défroquée installée à Banff, au coeur du premier parc national canadien.  Le temps de mettre en place le cadre et les personnages, tout déraille car l'enfant, Jack Boulton (il porte le nom de sa mère) est du genre à aimer sa liberté et, dédaignant son confort, il ne tarde pas à s'enfuir de chez la religieuse pour se réfugier dans la cabane de son enfance, seul au milieu des bois, quasi en mode survie. A douze ans. 

Le roman de Gil Adamson a tout d'un western, d'autant que la religieuse a offert une récompense à qui retrouvera l'enfant. Mais, aidé par son sens de la débrouillardise et un voisin bienveillant, il ne s'en sort pas trop mal jusqu'à ce que ...

Le talent de Gil Adamson est incontestable; sa plume excelle à faire voir des paysages grandioses aussi bien que des décors intimistes, à rappeler les conditions de vie en 1917, dans cette partie du Canada, avec un afflux de touristes-chasseurs attirés par la réputation du parc national, le tout sur fond de guerre. Mais elle excelle surtout à faire vivre des personnages hors du commun et terriblement attachants, à la limite du monde civilisé et du monde sauvage. Ce qui est le propre des westerns, non ? 

En tout cas, je me réjouis déjà de lire, dès que j'aurai mis la main dessus, le précédent roman de Gill Adamson. Pour le suivant, il faudra sans doute attendre un peu. 

Clara Ysé, Mise à feu

Oui... Non ... Il y a des romans sur lesquels on hésite à porter un jugement définitif, sans doute parce qu'ils échappent à la plupart des catégories connues. Mise à feu de Clara Ysé est de ceux-là : à mi-chemin du roman de formation (deux enfants, Nine et Gaspard, grandissent privés de leur mère) et du conte (ils dialoguent avec une pie surnommée Nanouchka). Et il y a même, comme dans toute conte qui se respecte, un oncle pas très sympathique sur lequel pèsent les pires soupçons. 

 A condition d'accepter ce parti-pris narratif, et une écriture mi-réaliste, mi-poétique, mais toujours musicale, le roman est assez séduisant. Il est vrai que Clara Ysé a elle-même perdu sa mère dans des conditions dramatiques et que le roman s'efforce de transposer dans un registre littéraire, l'effroyable expérience du deuil. Adouci par la grâce des mots.

Donbass

 On peut parfois se sentir saturé d'informations, se lasser d'un énième reportage sur le Donbass. Mais le film de Sergei Loznitsa est différent. Ne serait-ce que parce qu'il est sorti en 2018, à égale distance de la première guerre du Donbass jamais finie et de la récente invasion de l'Ukraine par les forces russes. 

Sergei Lonitza, le réalisateur, évoque ce qui s'est passé en 2014, 2015,  mais le spectateur retrouve dans les différentes séquences ce qui se passe actuellement. Un décalage temporel qui marque tout simplement le caractère intemporel des guerres : peu importe le millésime, elles sont forcément atroces et réveillent le pire chez la plupart des individus. Car dans Dombass, il n'est question ni de stratégies ni d'enjeux politiques,  mais de comportements humains. Et ce n'est pas brillant ! En 13 séquences Sergei Loznitza en fait la démonstration. Cela commence par une scène de maquillage pour des acteurs engagés dans une scène de propagande, et cela s'achève sur une scène de maquillage, avec les mêmes personnages, mais la scène tourne ensuite au massacre et ce n'est plus de la fiction. Car, et nous le savons bien maintenant, dans cette guerre, tout est affaire de propagande et il est de plus en plus difficile de distinguer le vrai du faux. La confusion est d'autant plus grande pour le spectateur européen, qui ne parle ni le russe ni l'ukrainien et doit se contenter des sous-titres pour suivre les événements, car rien ne ressemble plus à une tenue militaire qu'une autre tenue militaire. 

Certaines séquences - celle de la visite des abris souterrains dans lesquels se terrent les civils - pourraient passer dans les journaux télévisés d'aujourd'hui; certaines -  le mariage en "Nouvelle Russie" - virent à la farce outrancière et rapidement fastidieuse ; d'autres encore, présentées comme des expéditions punitives  - la bastonnade, le bouc émissaire - sont difficilement supportables tant elles respirent la haine. 

Imaginer que le film ne parle que du Donbass, ou même que du conflit entre la Russie et l'Ukraine serait sans doute une erreur. Attendre une réponse aux questions sur la responsabilité des uns ou des autres serait tout aussi vain. Le film de Loznitsa n'est là que pour nous rappeler que la guerre est toujours absurde, brutale, que la guerre tue et qu'elle fait ressortir le pire de l'humanité. On l'avait peut-être oublié !

Paolo Cognetti, Sans jamais atteindre le sommet

 

L'Himalaya, le rêve de tout montagnard qui se respecte !  Et Paolo Cognetti est de ceux-là. Le voilà donc parti pour un treck dans la vallée du Dolpo, vallée reculée du Népal. Mais ce qui différencie Cognetti de bien des montagnards c'est -  comme le suggère le titre de son livre -  qu'il ne cherche pas à tout prix à atteindre des sommets. Aucun souci de performance. Mais plutôt une marche régulière, un regard ouvert, une forme de contemplation active tournée vers l'extérieur plutôt que vers soi-même.Ce qui fait de ce récit de voyage dans l'Himalaya, une lecture particulièrement agréable.

Sous l'aile des anges

 J'ai bien aimé ce film sur l'enfance d'Abraham Lincoln, même si on n'y apprend pas grand chose de factuel sur celui qui a mis fin à l'esclavage et à la guerre de Sécession. 

On y voit surtout, dans une magnifique photo en noir et blanc, les vagabondages de l'enfant en pleine nature, un peu comme un animal qui va de-ci, de-là, quand il n'est pas retenu par des tâches imposées par la vie quotidienne d'une famille isolée en pleine nature. Les contre-plongées récurrentes - et il faut bien l'avouer un peu lassantes - sur la cime des arbres suggèrent peut-être une forme d'élévation (ou un hommage à Terence Malik), mais a priori rien dans le film d' A. J. Edwards n'évoque une éventuelle prédestination. Non, le grand Lincoln est juste un enfant ordinaire né dans une famille pauvre, extrêmement pauvre. Et c'est sans doute là le point intéressant du film, car peu d'hommes politiques, américains ou non, sont partis d'aussi bas dans l'échelle sociale, pour arriver aussi haut.  Il faut bien admettre que naître avec une cuillère en argent dans la bouche, avec un papa multi millionaire, ne prépare sans doute pas à comprendre la misère et encore moins à y remédier. 

Laurine Roux, L' Autre moitié du monde

Ce roman, c'est d'abord un lieu - le détroit de l'Ebre au Sud de la Catalogne - et une époque - le début des années 30, quand les menaces fascistes se font de plus en plus claires et que la résistance s'organise, même dans les milieux les plus démunis. Comme dans la famille de Toya, une gamine particulièrement éveillée, témoin principal des événements racontés. 

Rédigé à petites phrases courtes, - un mode narratif auquel il faut s'adapter - le roman de Laurine Roux est prenant lorsqu'il s'agit de montrer les conditions de vie des paysans, leur éveil à la politique grâce à la présence parmi eux de quelques personnages éclairés. Et le personnage de Toya la petite sauvageonne est plutôt bien vu. C'est son regard qui permet d'imaginer les paysages, les travaux et les jours, la vie rude des habitants du delta.

 Le roman toutefois est un peu trop manichéen pour être tout à fait convaincant : l'autre clan, celui de la Marquise, riche propriétaire dont dépendent les paysans, est caricatural et le récit du coup perd cette complexité que des nuances auraient pu lui apporter.

 

En corps

 Pour peu qu'on aime la danse - surtout contemporaine - le dernier film de Cédric Klapish n'était pas trop difficile à aimer. D'autant qu'il s'agit d'un "feel good movie" puisque la jeune ballerine qui découvre que son amoureux la trompe, se tord méchamment la cheville dans la foulée et risque de devoir renoncer à la danse classique à laquelle elle s'est consacrée corps et âme depuis l'enfance, découvre, grâce à des gens bienveillants, qu'il y a d'autres chemins qui s'ouvrent devant elle. Une façon de suggérer qu'un accident de parcours, mal vécu au début, peut à terme se révéler tout à fait bénéfique.

Un film bien joué, joliment mis en scène, tonique et finalement optimiste : que demander de plus par les temps qui courent ?

Happy together

 Buenos Aires encore, et de façon inattendue pour ce film de Wong Kar Wai sorti en 1997, année de la récession de Hong Kong à la Chine. Un dépaysement apparemment bienvenu pour le réalisateur hongkongais.

Il s'agit dans Happy together d'une relation passionnelle, tendue et parfois brutale entre deux amants, sur fond d'exil et de misère. L'histoire, comme souvent dans le cinéma asiatique est construite à partir d'une alternance de scènes fortes et d'ellipses. Violence, tendresse, désir, jalousie, toute la gamme des sentiments qui peuvent unir ou séparer deux amants est déclinée; les raccords sont parfois approximatifs; l'image, saturée de couleurs, paraît presque sale, ou un peu floue. Décors resserrés, beaucoup de scènes nocturnes éclairées au néon. Certaines séquences font penser à un film d'amateur, une façon sans doute d'être au plus prêt des personnages et de leur relation houleuse, sans le recul d'un cinéma pro. C'est de ce procédé je crois que le film acquiert son intensité. Et du jeu fiévreux des deux acteurs, Tony Leung et Leslie Cheung.

Le ciel du Centaure

 Quel film étrange qui mélange dans la même image la couleur et le noir et blanc. Une façon de retenir l'oeil du spectateur, plus attentif dès lors aux images elles-mêmes qu'au déroulé de l'intrigue. Celle-ci pourtant justifie bien son nom parce que tout dans le scénario est de l'ordre du bizarre, de l'incongru, du farfelu : intriguant donc ! Un film surréaliste ? Oui d'une certaine façon mais l'histoire de cet ingénieur qui débarque à Buenos Aires pour remettre un paquet à un mystérieux personnage et qui, de rencontre en rencontre, voit à chaque fois sa mission remise à plus tard  alors qu'il ne dispose que de 24 heures avant de rejoindre le bord, m'a rappelé un roman de Thomas Elroy Martinez, que j'avais adoré : Le Chanteur de tango. 

Dans le film de Hugo Santiago comme dans le livre de Martinez, le personnage le plus important c'est de toute évidence Buenos Aires, ville fascinante s'il en est parce qu'aucun quartier ne ressemble à un autre et que la carte de la ville, véritable labyrinthe urbain, réserve bien des surprises, permet de découvrir bien des lieux improbables. Une façon de faire qui rappelle les grands noms de la littérature argentine, Borges en tête. 

Ma glycine obèse ...

... et parfumée ! 

 

 

Toute une nuit sans savoir

Le film de Payal Kapadia a été sacré meilleur documentaire à Cannes en  2021. Toute une nuit sans savoir est certes un film intéressant, mais il m'a paru un peu trop "expérimental" pour être franchement accessible. On pourrait à son sujet parler de film épistolaire puisque sont lues - en voix off - les lettres d'une jeune étudiante en cinéma, pendant que défilent sur l'écran des images en noir et blanc qu'il n'est pas toujours facile d'identifier et dont on ne voit pas nécessairement le rapport avec la trame épistolaire, des images comme celles des vieux films en super 8, images en noir et blanc plus ou moins floues, ou voilées... 

Perplexe le spectateur n'a plus que le choix de s'accrocher pour éviter le risque de somnolence, ce qui en soi est plutôt bénéfique, puisque la réalisatrice entend justement éveiller les esprits et montrer le désarroi et les tentatives de révolte de la jeunesse indienne contre le système des castes qui les emprisonne. 

Le propos est incontestablement estimable, mais la méthode peut-être un peu trop radicale pour atteindre un public pas très averti.  Ne s'adresser qu'à une petite élite déjà informée ou viser plus large, au risque de tomber dans un didactisme simplificateur, c'est je crois le dilemme de tout documentariste. Et son choix.

 

Voyage au bout de l'enfer

 En anglais : The deer hunter, nettement moins explicite. Car ce n'est pas tant de chasse qu'il s'agit mais de guerre. Et ce que vivent les personnages du film de Cimino ressemble effectivement à l'enfer. 

Images du début somptueuse, silhouettes noires des fourneaux sur ciel bleu nuit; travail de l'acier dans les fonderies dont les flammes suggèrent déjà l'enfer malgré le combinaisons d'amiante et les masques. Les ouvriers sortent de l'usine et se préparent pour le mariage d'un des leurs. Une dernière partie de chasse, passablement alcoolisée et c'est le départ pour le Vietnam de Mike, Nick et Steve. 

Le film est conçu comme un triptyque dont la guerre est le centre, l'horreur toujours pire que l'imaginable et dont le souvenir hante à jamais ceux qui en reviennent, qu'ils en reviennent en héros, mutilé physiquement ou moralement. 

Voyage au bout de l'enfer est , dit-on le premier grand film sur le Vietnam. Voyage au bout de l'enfer est un film sur la guerre, sur toutes les guerres, car toutes se ressemblent, bousillant générations après générations de jeunes mâles, mais pas seulement. Car rien, jamais ne redevient comme avant.

Akira Mizubayashi, Une langue venue d'ailleurs

Une langue venue d'ailleurs tient de l'essai autant que de l'autobiographie, une sorte d'entre-deux comme celui dans lequel se trouve Akira Mizubayashi, dont la langue d'origine est le japonais, mais qui s'est très jeune passionné pour le français et la culture qu'elle représentait alors au début des années 70, une ouverture par rapport à celle de son pays. 

Pour qui s'intéresse aux langues étrangères, au bilinguisme, aux difficultés que cela représente d'apprendre à penser dans une langue différente de sa langue maternelle sans passer par la traduction, aux modifications que cela implique dans la façon de poser sa voix, d'articuler, de construire ses phrases, le livre d'Akira Mizubayashi est tout à fait passionnant. D'autant qu'il ne cherche pas à théoriser, mais simplement à témoigner de son expérience. Celle d'un intellectuel lecteur de Proust plus que de mangas, amateurs d'opéra et amoureux de la musique de Mozart.

Chaque expérience est unique, et il est certain que l'apprentissage d'une langue ne va jamais sans effort.  Certain aussi qu'il permet à l'esprit de s'ouvrir, d'accéder à un autre mode de pensée, une autre façon d'être au monde. Mais Akira Mizubayashi laisse aussi entendre que son français est et restera toujours la langue de son milieu, un français littéraire, universitaire. Parce que chaque langue est en réalité multiple.

Ghost Song

 Je ne suis pas certaine d'avoir bien compris ce qu'est exactement "le son de Houston", le ralentissement du flow qui fait la spécificité de cette musique. Mais le documentaire de Nicolas Peduzzi n'est pas strictement musical, loin s'en faut. Et je ne sais même pas s'il faut donner à la menace de l'ouragan annoncé sur la ville, valeur métaphorique. 

Non, ce que j'ai surtout vu dans ce film c'est le portrait de jeunes gens d'origines sociales différentes, de couleurs de peau différentes  et pourtant embarqués dans le même genre de galères. Enfants perdus qui ne trouvent pas leur place dans la société : Bloodbath, cheffe de gang blessée par balle et "repentie" qui compte sur le rap pour changer sa trajectoire; Will, gosse de riche paumé parce que mal-aimé, en bisbille avec sa famille et à la rue. Quelques autres encore qui apparaissent, se croisent, sur fond de drogue, de musique et de violence.

C'est une autre image de Houston, que nous donne à voir le réalisateur : la ville du pétrole et de la Nasa, la ville des grosse fortunes et des immeubles spectaculaires a aussi ses laissés pour compte.  Au Texas comme ailleurs en Amérique.

 

Murina

Non le regard que Giulia porte sur son père n'a rien de tendre; c'est plutôt celui d'une sirène prête à l'attaque. Il faut dire que son père est du genre non seulement autoritaire, mais franchement tyrannique, qui entend mener son monde à la baguette. Mâle dominant, sûr de sa prééminence sur sa femme, sur sa fille  et tous ceux qui s'approchent de l'île.
 Car c'est sur une île qu'Antoneta Alamat Kusijanovic, la réalisatrice, a situé son film: l'insularité, c'est évident exacerbe les tensions. D'autant que tout nouvel arrivant fait fonction d'intrus ou offre au contraire l'opportunité d'une ouverture. La montée en tension entre les individus est subtilement amenée, le projet immobilier n'étant qu'un prétexte à l'affrontement entre le père et la fille. 

Un premier film plutôt réussi !

L'Afrique au coeur

 Un dernier billet à propos d'Hervé Di Rosa . Ou plutôt trois personnages laissés sans commentaires.

Hervé Di Rosa

 Dans mon précédent billet je m'étais surtout intéressée à l'accrochage de l'exposition présentée jusqu'à fin août au Musée de Valence.  

Mais les oeuvres d'Hervé Di Rosa valent la peine qu'on s'y intéresse pour elles-mêmes, indépendamment de toute référence,  et même qu'on les scrute de très près. Parce qu'au premier coup d'oeil on voit un grand fouillis très coloré qui remplit entièrement la toile, une débauche de couleurs et de formes. Le côté grotesque n'apparaît qu'en s'approchant. Ainsi dans ce grand triptyque intitulé La Mer (trop grand pour entrer dans le cadre de ma photo), peuplé d'étranges créatures sous-marines.

 A défaut d'une plongée dans les profondeurs bleues de la Méditerranée, s'immerger dans un tableau d'Hervé di Rosa ... remède assuré à la mélancolie !

Hervé Di Rosa au musée de Valence

 Et je commence par quoi ? L'artiste ou le musée ? En l'occurrence les deux sont inséparables et c'est ce qui fait le charme de cette exposition.

Le musée d'art et d'archéologie de Valence est un "petit musée de province" sans rien de poussiéreux; rénové et agrandi il y a une dizaine d'année, il propose au visiteur un parcours qui le mène de la préhistoire jusqu'à l'art contemporain, un ambitieux panorama historique et artistique dans lequel se glissent avec aisance, les oeuvres très colorées et souvent grotesques d'Hervé Di Rosa, un artiste d'une créativité étonnante. 

Hervé Di Rosa est le fondateur du Miam,  (Musée International des Arts Modestes) de Sète, que je ne manque jamais d'aller voir à chacun de mes passages dans la ville, certaine d'y trouver de quoi satisfaire ma curiosité, en marge des conventions artistiques. Hervé di Rosa n'ignore rien de l'histoire de l'art dont il se nourrit en permanence pour mieux s'en échapper et constamment innover, toujours avides de nouvelles techniques artistiques auxquelles il s'initie en parcourant le monde. 

 Dès le premier couloir, dès les premières salles le sourire flotte sur le visage des visiteurs, happés par la découverte des oeuvres de l'artiste, qui s'insèrent parfaitement au milieux d'oeuvres plus classiques voire de vestiges archéologiques.

L'effet de surprise est toujours étonnant. Dans cette belle salle lumineuse, la mosaïque au sol, les oeuvre sur stèles sont authentiquement antiques, mais pas les grands jarres aux 4 coins, qui pourtant s'accordent subtilement à l'ensemble.

 

Dans la salle 27, si parfaitement néoclassique, on cherche forcément l'intrus.

Et dans la salle consacrée aux sanguines d'Hubert Robert, le peintre préféré de Diderot, il faut s'approcher pour distinguer les oeuvres d'Hervé di Rosa de celles du peintre ruiniste, artiste phare du musée.

Je ne sais si le mérite de la disposition des oeuvres revient à l'artiste ou au commissaire de l'exposition (Philippe Bouchet), mais son intelligence et son insolence ont fait de mon passage au musée de Valence un moment extrêmement ludique. Dans le domaine de l'art, l'irrévérence me paraît souvent salutaire.

Le Joli Mai